Kulturticket Rostock

26Novganztägig01Feb„Aufnahmen bei jeder Witterung. Das Fotografenhandwerk in mecklenburgischen Kleinstädten in der Zeit von 1860 bis 1920“

30NovganztägigRostocker Kunstpreis 2025

14DezganztägigHans Ticha

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Retrospektive

Zum ersten Mal wird dem Künstler Hans Ticha eine umfangreiche Retrospektive durch die Kunsthalle Rostock ausgerichtet. Als mehrfach preisgekrönter Meister der Buchgrafik genießt er einen weitreichenden Ruf. „Über 120 Leihgaben aus namhaften Museen wie der Neuen Nationalgalerie Berlin, dem Deutschen Historischen Museum Berlin, dem Haus der Geschichte Bonn und dem Sportmuseum Leipzig sowie noch nie ausgestellte Werke aus Privatsammlungen haben wir zusammengetragen, um die bisher größte Werkschau zu präsentieren.“ sagt Dr. Jörg-Uwe Neumann, Direktor der Kunsthalle Rostock.

Ticha, der 1940 in Bodenbach, dem heutigen Decin geboren wurde, besticht in seinen Bildern durch feinsinnige Ironie und eine präzise Malweise. Dabei bewegt er sich durch eine Vielzahl von Themen und setzt sich mit Gesellschaft, Politik, Sport und Unterhaltung kritisch als auch humorvoll auseinander.

Die Ausstellung beginnt mit Werken, die während seines Studiums an der Hochschule für bildende und angewandte Kunst in Berlin-Weißensee entstehen, wo er von 1965 bis 1970 studiert. Vor allem maritime Motive mit Booten, Fischern und Badenden am Ostseestrand kennzeichnen sein Frühwerk aus den 1960er- Jahren. Darauf folgen die berühmten Sportbilder mit dem Skandalgemälde „Mannschaft“ von 1975. Hintergrundinformationen darüber erfährt man über Audiobeiträge direkt in der Ausstellung. Seine sogenannten Politbilder wie „Klatscher“ oder „Mauer“ malt Hans Ticha ab Ende der 1970er-Jahre im Verborgenen. Sie thematisieren das gesellschaftliche Leben in der DDR mit seinen erstarrten Ritualen und sinnentleerten Handlungen etwa auf Parteitagen der SED oder auf Demonstrationen zum 1. Mai. Diese Bilder kann der Künstler nicht ausstellen. Er muss sie in seinem Atelier in Berlin-Prenzlauer Berg verstecken. Erst nach der Wende finden sie erstmalig ein öffentliches Publikum auf der Biennale in Venedig. Eine große Auswahl der Politbilder als auch Vorzeichnungen dazu sind in der Kunsthalle Rostock zu sehen. In der Wendezeit beschäftigt sich Ticha mit Kommerz und der Werbewelt aus der Sicht eines Ostdeutschen. Ticha verlässt 1990 Ostberlin und geht zunächst nach Mainz und wenig später nach Maintal, wo er seine neue Heimat findet. Bis heute äußert sich der mittlerweile 85-jährige Maler weiterhin kritisch zum Zeitgeschehen. So finden sich in der Rostocker Ausstellung aktuelle Gemälde mit Titeln wie „Wutbürger“ oder „Wir sind heute das Volk“, die bisher noch nie gezeigt wurden.

In der Ausstellung gibt es zu ausgewählten Werken deutsch- oder englischsprachige Audiobeiträge, die mit dem eigenen Smartphone durch einen QR-Code gescannt und angehört werden können. Es können eigene Kopfhörer genutzt werden. Leihweise stehen Kopfhörer an der Museumskasse bereit. Zudem können Besucher:innen an einer Mitmachstation auf kreative Weise das Werk von Hans Ticha erkunden. Nach der Ausstellung in Rostock wandern die Bilder in das Neue Museum Nürnberg. „Diese Kooperation, die wir dem Galeristen Johannes Zielke und Astrid Hiepe von der Galerie LÄKEMÄKER verdanken, möchte verdeutlichen, dass Hans Ticha mittlerweile als ein deutsch-deutscher Künstler zu verstehen ist.“ so die Kuratorin der Ausstellung Antje Schunke.

Förderung und Unterstützung:
Das Ausstellungsprojekt wird gefördert durch das Bankhaus Metzler, die OSPA-Stiftung, die Hanse- und Universitätsstadt Rostock, das Ministerium für Wissenschaft, Kultur, Bundes- und Europaangelegenheiten Mecklenburg-Vorpommern, die Wall GmbH, die ROSTOCK PORT GmbH, die Nordwasser GmbH, die Stadtwerke Rostock AG und den Verein „Freunde der Kunsthalle Rostock e. V.
Gesundheitspartner: Klinikum Südstadt Rostock, Kulturpartner: NDR Kultur

In Kooperation mit dem Neuen Museum Nürnberg und der Galerie LÄKEMÄKER in Wustrow.

Bild Oben:
Hans Ticha, Klatscher, 1982/90, Öl auf Leinwand, 120 x 90 cm, Privatbesitz
Hans Ticha, ©VG Bild-Kunst, Bonn 2025

Zeit

00:00 (ganztägig)(GMT+01:00)

Location

19Dezganztägigtotenstill

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Dirk Reinartz – Fotografie

Vom 19. Dezember 2025 bis zum 8. März 2026 präsentiert die Kunsthalle Rostock im Erdgeschoss ihres Museumsgebäudes die mehrfach preisgekrönte Fotoserie totenstill von Dirk Reinartz.

1971 war er der jüngste Reportagefotograf des Nachrichtenmagazins Stern. Später arbeitete er unter anderem für die Kunstzeitschrift art und das Reisemagazin Merian sowie für das ZEITmagazin und avancierte zum Shootingstar der deutschen Dokumentarfotografie. Zeitlebens beschäftigte er sich mit Deutschland und den Deutschen. Seine Reportagen waren nie rein illustrativ, sondern entfalteten stets eine eigenständige Erzählebene.

In der zwischen 1987 und 1993 entstandene Serie totenstill setzt sich Reinartz mit den ehemaligen nationalsozialistischen Konzentrationslagern auseinander. Die Aufnahmen zeigen in strengem Schwarz-Weiß die immer gleichen Infrastrukturen der Massenvernichtung. In die Anlagen ist ihr grauenvoller Zweck eingeschrieben und auch die perfide Effizienz, auf die sie abzielten. Vielleicht erzeugen die leeren Plätze, Mauern und Wege deshalb eine so unheimliche Atmosphäre. Vielleicht aber auch, weil ihre Leere das schmerzhaft Abwesende heraufbeschwört – die Menschlichkeit an sich und die Menschen, die hier zu Opfern wurden. Dass die Atmosphäre wahrhaft bedrückend ist, lässt sich nicht bestreiten. Auch die Aura der Schwarz-Weiß-Fotografie trägt dazu bei. Sie verleiht den Bildern etwas Zeitloses und legt so die Frage nach ihrer aktuellen Relevanz nahe.

Auf diese Weise regen die wirkmächtigen Bilder zur intensiveren Betrachtung und zum Innehalten und Nachdenken an. Im Alleinsein mit sich und den eigenen Eindrücken entfalten die Bilder ihre Wirkung – die Stille beginnt zu sprechen.

Förderung und Unterstützung:
Das Ausstellungsprojekt wird unterstützt von der Landeszentrale für politische Bildung Mecklenburg-Vorpommern. Das Begleitprogramm zur Ausstellung entsteht in Kooperation mit der Hochschule für Musik und Theater Rostock.

Die Kunsthalle Rostock wird durch die OSPA-Stiftung, die Hanse- und Universitätsstadt Rostock, das Ministerium für Wissenschaft, Kultur, Bundes- und Europaangelegenheiten Mecklenburg-Vorpommern, die Wall GmbH, die ROSTOCK PORT GmbH, die Nordwasser GmbH, die Stadtwerke Rostock AG und den Verein „Freunde der Kunsthalle Rostock e. V. gefördert. Gesundheitspartner: Klinikum Südstadt Rostock, Kulturpartner: NDR Kultur

Bild Oben:
Dirk Reinartz
Blick vom Zellenbau auf Festungsmauern, Breendonk, 1993
Schwarz-Weiß-Fotografie, Silbergelatineabzug, 25,5 x 16,5 cm
© Deutsche Fotothek/ Stiftung F.C. Gundlach

Zeit

00:00 (ganztägig)(GMT+01:00)

Location

20DezganztägigKino von Morgen

Infos

Thomas Hartmann & Alexander Kluge

Wer schon einmal in einem Kunstmuseum war, dem ist vielleicht aufgefallen, dass Bilder aufeinander und in den Ausstellungsraum wirken, als wären sie von unsichtbaren Kraftfeldern umgeben. Auch auf die Besucher und Besucherinnen wirken sie. Sie ziehen uns an, um andere machen wir einen großen Bogen. Dem Künstler Thomas Hartmann ist das nicht entgangen. Er vergleicht das Phänomen mit unsichtbaren kosmischen Vorgängen, die im Vakuum des Weltalls wirken.

Dieser Vergleich deutet bereits an, dass der Künstler in großen Maßstäben arbeitet. Im lichtdurchfluteten White Cube der Kunsthalle Rostock finden seine Gemälde den idealen Ort, um ihre monumentale Wirkung zu entfalten. Dabei lotet er feinfühlig ihre Reichweite über die Grenzen ihrer Leinwände hinaus aus. Er gruppiert sie an den sieben Meter hohen Wänden des Kubus, um eine leere Mitte herum. Diese Mitte wird zum spannungsvollen Zentrum, in dem sich die äußeren Kräfte bündeln. Die sogenannten „Hartmannschen Hängungen“ laden dazu ein, über das Sein und das Nicht-Sein, über das Bestehen und das Vergehen nachzudenken.

Auch mit der Vergänglichkeit des eigenen Schaffens befasst sich der Künstler. Allein der Nachwelt überlässt er es nicht, seine Bilder zu bewerten und schon gar keinem Nachlassverwalter. Thomas Hartmann findet, nicht jedes Bild muss erhalten bleiben. Erst mit Abstand lässt sich beurteilen, welche Werke Bestand haben sollen. Ein Lagerregal, überbordend gefüllt mit 300 zerstörten Bildern, wird zum Monument der Selbstermächtigung. Schreinartig türmt er die Relikte zu einem neuen Kunstwerk auf. Selektion und Zerstörung sind Teil des künstlerischen Prozesses. Regale sind dabei bedeutsame Werkzeuge des Ordnens und Bewahrens – Metapher für das Fortbestehen im Angesicht der Vergänglichkeit.

Zudem schafft er seit zwei Jahren gemeinsam mit Alexander Kluge „Klein-Kinos“ – ungewöhnliche Projektionsobjekte, die mehr Skulptur, mehr Modell sind als Kino oder Ausgabegerät sind. In ihnen verdichten sich Inhalte und Darstellungsformen. Beide Künstler verbindet die Vorliebe für Intermedialität und außergewöhnliche Inszenierung sowie eine ausgeprägte Bibliophilie und intellektueller Tiefgang.

Alexander Kluge ist Schriftsteller, Filmemacher und Produzent. Er gilt als Mitbegründer des Neuen Deutschen Films und Autorität auf dem Gebiet der Filmtheorie und ist bekannt dafür, Literatur, Film und Philosophie miteinander zu verbinden.

Thomas Hartmann hatte bis 2018 eine Professur für Malerei an der Akademie der bildenden Künste in Nürnberg inne. Er lebt und arbeitet in Berlin. Neben der Videokunst bilden Malerei und Installation die drei zentralen Medien seines Schaffens. Sie bilden die Säulen der Ausstellung, die vom 18. Dezember 2025 bis zum 1. März 2026 in der Kunsthalle Rostock zu sehen ist.

Förderung und Unterstützung:
Das Projekt ist in Kooperation mit der Galerie Schwarz entstanden.
Die Kunsthalle Rostock gGmbH wird gefördert durch die OSPA-Stiftung, die Hanse- und Universitätsstadt Rostock, das Ministerium für Wissenschaft, Kultur, Bundes- und Europaangelegenheiten Mecklenburg-Vorpommern, die ROSTOCK PORT GmbH, die Nordwasser GmbH, die Stadtwerke Rostock AG, die Wall GmbH und den Verein „Freunde der Kunsthalle Rostock e. V.“. Gesundheitspartner: Klinikum Südstadt Rostock, Kulturpartner: NDR Kultur

Bild Oben:
Thomas Hartmann
Kino von morgen, 2022
150 x 120 cm, Ölfarbe auf Leinwand
VG Bild-Kunst, Bonn 2025

Zeit

00:00 (ganztägig)(GMT+01:00)

Location

02Jan20:00Offene Zweierbeziehung

03Jan19:30Die Ratten // LETZTE CHANCE

03Jan20:00Fucking fucking schön (Das erste Mal – In 10 kurzen Geschichten)

04Jan18:00Die wilden Zwanziger

04Jan19:30JAM SESSION

04Jan20:00QualityLand

05Jan16:00Der Fremde

Infos

Filmkritik: „Der Fremde“

François Ozons Adaption des Romans „L’Étranger“ von Albert Camus (erschienen 1942) beginnt mit Bildern von Algier in den dreißiger Jahren. Ein Moderator preist die Hauptstadt der damaligen französischen Kolonie Algerien als Melting Pot aus arabischer Exotik und europäischer Grandezza. Dann folgt der jähe Schnitt in ein Gefängnis. Zwei Wärter schubsen einen jungen Europäer in eine Massenzelle voller Einheimischer. Ein Mitinsasse fragt ihn, warum er hier sei. Als Antwort kommt kühl: „Ich habe einen Araber getötet!“ Der furchtlos Ehrliche hört auf den Namen Mersault (Benjamin Voisin). Der Film entblättert, wie er dort landete. Nach dem Tod seiner Mutter erledigt er ungerührt die Trauerformalitäten. Kurz danach bandelt er mit seiner Bekannten Marie (Rebecca Marder) an. Er stellt ihr seinen Nachbarn Raymond (Pierre Lottin) vor. Der halbseidene Mann, gerüchteweise Zuhälter, neigt zu häuslicher Gewalt. Leidtragende ist Djemila, seine algerische Mätresse. Ihr Bruder Moussa sinnt deshalb auf Rache. Dann lädt Raymond Marie und Mersault in sein Ferienhaus am Meer ein. Plötzlich taucht dort auch Moussa auf. Eines heißen Sommertages erschießt Mersault ihn kaltblütig am Strand – eine seltsam unmotivierte Gräueltat, die er im folgenden Gerichtsprozess weder erklären kann noch will.

„Der Fremde“: Messerscharfe Dramaturgie

Seit dem 1. Januar 2026 im Kino: „Der Fremde“ (©Foz – Gaumont – France 2 Cinema, Carole Bethuel)

Anfangs fremdelt man als Zuschauer mit Mersault, diesem seltsamen Beau ohne Mimik, über dessen Innenleben man gänzlich im Dunkeln tappt. Doch mit fortlaufender Dauer entwickelt die messerscharfe Dramaturgie dieses makellos fotografierten Schwarz-Weiß-Films einen eiskalten Sog. Mersaults Mindset offenbart sich: Schicksalsschläge, Liebesbekundungen und Gewaltausbrüche sind für ihn Lappalien, hält er doch das Leben selbst und die Entscheidungen, die es bereithält, für gänzlich bedeutungslos. Der junge Robert Smith beschrieb diesen existentialistischen Ennui Ende der Siebziger in den Lyrics seines Songs „Killing An Arab“, einer Hommage an Camus: „Whichever I choose, it amounts to the same: Absolutely nothing!“. Die Debüt-Single seiner Band The Cure erklingt folgerichtig während des Abspanns.

Zeit

16:00 4:00pm(GMT+01:00)

Location

05Jan16:00Der Fremde

Infos

Filmkritik: „Der Fremde“

François Ozons Adaption des Romans „L’Étranger“ von Albert Camus (erschienen 1942) beginnt mit Bildern von Algier in den dreißiger Jahren. Ein Moderator preist die Hauptstadt der damaligen französischen Kolonie Algerien als Melting Pot aus arabischer Exotik und europäischer Grandezza. Dann folgt der jähe Schnitt in ein Gefängnis. Zwei Wärter schubsen einen jungen Europäer in eine Massenzelle voller Einheimischer. Ein Mitinsasse fragt ihn, warum er hier sei. Als Antwort kommt kühl: „Ich habe einen Araber getötet!“ Der furchtlos Ehrliche hört auf den Namen Mersault (Benjamin Voisin). Der Film entblättert, wie er dort landete. Nach dem Tod seiner Mutter erledigt er ungerührt die Trauerformalitäten. Kurz danach bandelt er mit seiner Bekannten Marie (Rebecca Marder) an. Er stellt ihr seinen Nachbarn Raymond (Pierre Lottin) vor. Der halbseidene Mann, gerüchteweise Zuhälter, neigt zu häuslicher Gewalt. Leidtragende ist Djemila, seine algerische Mätresse. Ihr Bruder Moussa sinnt deshalb auf Rache. Dann lädt Raymond Marie und Mersault in sein Ferienhaus am Meer ein. Plötzlich taucht dort auch Moussa auf. Eines heißen Sommertages erschießt Mersault ihn kaltblütig am Strand – eine seltsam unmotivierte Gräueltat, die er im folgenden Gerichtsprozess weder erklären kann noch will.

„Der Fremde“: Messerscharfe Dramaturgie

Seit dem 1. Januar 2026 im Kino: „Der Fremde“ (©Foz – Gaumont – France 2 Cinema, Carole Bethuel)

Anfangs fremdelt man als Zuschauer mit Mersault, diesem seltsamen Beau ohne Mimik, über dessen Innenleben man gänzlich im Dunkeln tappt. Doch mit fortlaufender Dauer entwickelt die messerscharfe Dramaturgie dieses makellos fotografierten Schwarz-Weiß-Films einen eiskalten Sog. Mersaults Mindset offenbart sich: Schicksalsschläge, Liebesbekundungen und Gewaltausbrüche sind für ihn Lappalien, hält er doch das Leben selbst und die Entscheidungen, die es bereithält, für gänzlich bedeutungslos. Der junge Robert Smith beschrieb diesen existentialistischen Ennui Ende der Siebziger in den Lyrics seines Songs „Killing An Arab“, einer Hommage an Camus: „Whichever I choose, it amounts to the same: Absolutely nothing!“. Die Debüt-Single seiner Band The Cure erklingt folgerichtig während des Abspanns.

Zeit

16:00 4:00pm(GMT+01:00)

Location

05Jan17:15Therapie für Wikinger

05Jan19:00Der Fremde (OmU)

Infos

Filmkritik: „Der Fremde“

François Ozons Adaption des Romans „L’Étranger“ von Albert Camus (erschienen 1942) beginnt mit Bildern von Algier in den dreißiger Jahren. Ein Moderator preist die Hauptstadt der damaligen französischen Kolonie Algerien als Melting Pot aus arabischer Exotik und europäischer Grandezza. Dann folgt der jähe Schnitt in ein Gefängnis. Zwei Wärter schubsen einen jungen Europäer in eine Massenzelle voller Einheimischer. Ein Mitinsasse fragt ihn, warum er hier sei. Als Antwort kommt kühl: „Ich habe einen Araber getötet!“ Der furchtlos Ehrliche hört auf den Namen Mersault (Benjamin Voisin). Der Film entblättert, wie er dort landete. Nach dem Tod seiner Mutter erledigt er ungerührt die Trauerformalitäten. Kurz danach bandelt er mit seiner Bekannten Marie (Rebecca Marder) an. Er stellt ihr seinen Nachbarn Raymond (Pierre Lottin) vor. Der halbseidene Mann, gerüchteweise Zuhälter, neigt zu häuslicher Gewalt. Leidtragende ist Djemila, seine algerische Mätresse. Ihr Bruder Moussa sinnt deshalb auf Rache. Dann lädt Raymond Marie und Mersault in sein Ferienhaus am Meer ein. Plötzlich taucht dort auch Moussa auf. Eines heißen Sommertages erschießt Mersault ihn kaltblütig am Strand – eine seltsam unmotivierte Gräueltat, die er im folgenden Gerichtsprozess weder erklären kann noch will.

„Der Fremde“: Messerscharfe Dramaturgie

Seit dem 1. Januar 2026 im Kino: „Der Fremde“ (©Foz – Gaumont – France 2 Cinema, Carole Bethuel)

Anfangs fremdelt man als Zuschauer mit Mersault, diesem seltsamen Beau ohne Mimik, über dessen Innenleben man gänzlich im Dunkeln tappt. Doch mit fortlaufender Dauer entwickelt die messerscharfe Dramaturgie dieses makellos fotografierten Schwarz-Weiß-Films einen eiskalten Sog. Mersaults Mindset offenbart sich: Schicksalsschläge, Liebesbekundungen und Gewaltausbrüche sind für ihn Lappalien, hält er doch das Leben selbst und die Entscheidungen, die es bereithält, für gänzlich bedeutungslos. Der junge Robert Smith beschrieb diesen existentialistischen Ennui Ende der Siebziger in den Lyrics seines Songs „Killing An Arab“, einer Hommage an Camus: „Whichever I choose, it amounts to the same: Absolutely nothing!“. Die Debüt-Single seiner Band The Cure erklingt folgerichtig während des Abspanns.

Zeit

19:00 7:00pm(GMT+01:00)

Location

05Jan20:00Die jüngste Tochter (OmU)

Infos

Die jüngste Tochter | Thalia Potsdam

Die 17-jährige Fatima ist die jüngste von drei Töchtern einer französisch-algerischen Familie in einem Pariser Vorort. Ihr Lieblingssport ist Fußball, in der Schule hängt sie mit den prahlerischsten Jungs ihrer Klasse ab, und sie hat einen heimlichen festen Freund, der bereits ans Heiraten denkt. Fatima fällt es jedoch zunehmend schwerer zu verbergen, was niemand wissen darf: ihr Herz schlägt für Frauen. Als sie ein Philosophiestudium in Paris beginnt, eröffnet sich für sie eine völlig neue Welt. Hin- und hergerissen zwischen Familientradition, Glauben und ihrem Wunsch nach Freiheit muss Fatima ihren eigenen Weg finden.

DIE JÜNGSTE TOCHTER ist eine Adaption des gefeierten autofiktionalen Debütromans von Fatima Daas aus dem Jahr 2020 und der dritte Spielfilm der französischen Drehbuchautorin und Regisseurin Hafsia Herzi (DU VERDIENST EINE LIEBE, EINE GUTE MUTTER). Mit emotionaler und wahrhaftiger Wucht begleitet der Film das sexuelle Erwachsenwerden einer jungen Frau und ihre Suche nach einem Platz in der Welt. Fast ausschließlich mit Laiendarsteller:innen besetzt, mit Zärtlichkeit und Fingerspitzengefühl inszeniert, aber ohne Scheu vor Tabubrüchen, gelingt Hafsia Herzi ein Instantklassiker des Queer Cinema in der Tradition von Abdellatif Kechiches BLAU IST EINE WARME FARBE, Céline Sciammas PORTRÄT EINER JUNGEN FRAU IN FLAMMEN und Barry Jenkins MOONLIGHT.

In ihrer ersten Rolle vor der Kamera feiert Nadia Melliti mit ihrer kraftvoll zurückhaltenden, atemberaubenden Darstellung einen fulminanten Einstieg in die Schauspielerei. Bei den 78. Internationalen Filmfestspielen von Cannes, wo der Film bei seiner Uraufführung zwölfminütige Standing Ovations erhielt, wurde sie mit dem Preis für die beste Darstellerin ausgezeichnet. Der Film gewann außerdem die Queer Palm.

Regie: Hafsia Herzi I mit: Nadia Melliti, Ji-Min Park, Amina Ben Mohamed I Frankreich 2025 I Queeres Drama

AB 12 JAHREN / 106 MINUTEN

Zeit

20:00 8:00pm(GMT+01:00)

Location

06Jan17:00Gesangskonzert am Nachmittag

06Jan17:15Die jüngste Tochter

Infos

Die jüngste Tochter | Thalia Potsdam

Die 17-jährige Fatima ist die jüngste von drei Töchtern einer französisch-algerischen Familie in einem Pariser Vorort. Ihr Lieblingssport ist Fußball, in der Schule hängt sie mit den prahlerischsten Jungs ihrer Klasse ab, und sie hat einen heimlichen festen Freund, der bereits ans Heiraten denkt. Fatima fällt es jedoch zunehmend schwerer zu verbergen, was niemand wissen darf: ihr Herz schlägt für Frauen. Als sie ein Philosophiestudium in Paris beginnt, eröffnet sich für sie eine völlig neue Welt. Hin- und hergerissen zwischen Familientradition, Glauben und ihrem Wunsch nach Freiheit muss Fatima ihren eigenen Weg finden.

DIE JÜNGSTE TOCHTER ist eine Adaption des gefeierten autofiktionalen Debütromans von Fatima Daas aus dem Jahr 2020 und der dritte Spielfilm der französischen Drehbuchautorin und Regisseurin Hafsia Herzi (DU VERDIENST EINE LIEBE, EINE GUTE MUTTER). Mit emotionaler und wahrhaftiger Wucht begleitet der Film das sexuelle Erwachsenwerden einer jungen Frau und ihre Suche nach einem Platz in der Welt. Fast ausschließlich mit Laiendarsteller:innen besetzt, mit Zärtlichkeit und Fingerspitzengefühl inszeniert, aber ohne Scheu vor Tabubrüchen, gelingt Hafsia Herzi ein Instantklassiker des Queer Cinema in der Tradition von Abdellatif Kechiches BLAU IST EINE WARME FARBE, Céline Sciammas PORTRÄT EINER JUNGEN FRAU IN FLAMMEN und Barry Jenkins MOONLIGHT.

In ihrer ersten Rolle vor der Kamera feiert Nadia Melliti mit ihrer kraftvoll zurückhaltenden, atemberaubenden Darstellung einen fulminanten Einstieg in die Schauspielerei. Bei den 78. Internationalen Filmfestspielen von Cannes, wo der Film bei seiner Uraufführung zwölfminütige Standing Ovations erhielt, wurde sie mit dem Preis für die beste Darstellerin ausgezeichnet. Der Film gewann außerdem die Queer Palm.

Regie: Hafsia Herzi I mit: Nadia Melliti, Ji-Min Park, Amina Ben Mohamed I Frankreich 2025 I Queeres Drama

AB 12 JAHREN / 106 MINUTEN

Zeit

17:15 5:15pm(GMT+01:00)

Location

06Jan19:00Jetzt. Wohin. - Meine Reise mit Robert Habeck

06Jan20:00Therapie für Wikinger (OmU)

06Jan20:00Klavierabend

07Jan17:00Violoncellokonzert am Nachmittag

07Jan20:00Klavierabend

08Jan16:00Sonderführung mit Galerist und Co-Kurator Johannes Zielke: Hans Ticha

08Jan20:00Merci, Chérie

09Jan19:30Neujahrskonzert der Deutschen Seereederei

09Jan20:00Merci, Chérie

09Jan20:00ZWEI MÄNNER GANZ NACKT

10Jan10:30Sonnabend-Rundgang: „Kunst und Architektur in der Stadt Rostock“

10Jan19:00hmt Klassikkonzerte

10Jan20:00JEEPS

10Jan20:00DAS ABSCHIEDSDINNER

10Jan20:00Violinabend im Rahmen der Winterserenade

10Jan20:00Holländers Seemannsgarn

11Jan15:00Schwanensee

11Jan17:00Bachelorabschlusskonzert Komposition

11Jan18:00DER ABSCHIEDSBRIEF

11Jan20:00Die Känguru-Chroniken

12Jan16:00Sentimental Value

Infos

Sentimental Value

SENTIMENTAL VALUE

Regie: Joachim Trier | Darsteller: Renate Reinsve, Stellan Skarsgård, Inga Ibsdotter Lilleaas | Frankreich, Norwegen 2025 | Drama | Originalsprache: Norwegisch

Ein Film über das, was zwischen Menschen bleibt, wenn Worte fehlen: Joachim Trier verdichtet eine zerbrochene Vater-Tochter-Beziehung zu einem kraftvollen Gefühlsrausch voller Humor, Schmerz und unerwarteter Zärtlichkeit. Ein emotionales Geflecht aus Erinnerung, Versöhnung und ungelebtem Leben, still, tief und erschütternd echt – ein preisgekröntes, vibrierendes Familendrama mit Renate Reinsve und Stellan Skarsgård!

Nora (Renate Reinsve) und Agnes (Inga Ibsdotter Lilleaas) verbindet eine komplexe Beziehung zu ihrem Vater, der seine Arbeit stets über die Familie stellte. Nun steht Gustav (Stellan Skarsgård) nach Jahren der Funkstille plötzlich wieder vor der Tür – mit einem charmanten Grinsen und dem emotionalen Gepäck eines halben Lebens. Augenblicklich geraten alte Familiendynamiken ins Rollen. Und nach und nach wird deutlich, dass sich Vater und Töchter ähnlicher sind, als sie glaubten. Vielleicht ist es doch nicht zu spät für einen Neuanfang… Mit seiner losen Oslo-Trilogie (REPRISE; OSLO, 31. AUGUST; DER SCHLIMMSTE MENSCH DER WELT) hat sich Joachim Trier längst zum Dauergast auf dem großen Festivalparkett entwickelt. Nun erweitert er die Reihe mit einer Variation der Themen, die sich durch sein bisheriges Œuvre ziehen, erzählt erneut von Menschen, die sich zwischen Selbstbild und Wirklichkeit zerreiben. Und wenn es um schwierige Familienverhältnisse geht, sind für einen Regisseur aus dem europäischen Norden ab 4. Dezember weder Bergman noch Ibsen sonderlich weit. So überrascht es nicht, dass sich der gefeierte Norweger auf beide bezieht. Am deutlichsten im Namen der Hauptfigur Nora, einer Frau, die im Laufe des lose strukturierten Dramas ihr Verhältnis zum lange abwesenden Vater auf den Prüfstand stellt. Dem Auteur gelingt eine vielschichtige Erzählung über Beziehungen und Gefühle, die nur schwer in Worte gefasst werden können. Er verwandelt Familiengeschichte in ein Spiegelkabinett aus Erinnerung, Film und Schuld – sanft, von großer emotionaler Reife und herzzerreißend ehrlich. Die großartige Renate Reinsve spielt ihre Nora mit stiller Wucht, Skarsgård gibt den alternden Vater und Künstler, der die Welt inszeniert, weil er sie nicht erträgt, mit einer beeindruckenden Bandbreite. Ein leises, leichtfüßiges Meisterwerk, das davon erzählt, wie schwierig es ist, das eigene Leben klar zu betrachten – und wie viel Mut darin liegt, Schmerz offen zu begegnen, ohne ihn zu verklären.

» Bleibt noch lange nach dem Abspann im Kopf und im Herzen! « TAZ

» Ein vielschichtiges Meisterwerk! « INDIEWIRE

» Wunderbar! « TIME MAGAZINE

Großer Preis der Jury, Cannes 2025!

Norwegischer Oscar-Kandidat!

Zeit

16:00 4:00pm(GMT+01:00)

Location

12Jan17:45Bon Voyage

Infos

Bon Voyage – Bis hierher und noch weiter (2025) | Film, Trailer, Kritik

LOSLASSEN LERNEN

Leider kann der Mensch nicht aus jeder Schlacht als Sieger hervorgehen. Vor acht Jahren gelang es der achtzigjährigen Marie (Hélène Vincent), den Krebs zu besiegen, doch nun ist die Krankheit zurückgekehrt – diesmal ohne Raum für Hoffnung auf Genesung. Jeder Tag der Frau ist nun ein Kampf, der mit jedem neuen Morgen schwerer und schwerer zu werden verspricht. Marie will ein solches Lebensszenario nicht akzeptieren. Sie beschließt, ihr Leben würdevoll und zu ihren eigenen Bedingungen zu beenden – mittels Sterbehilfe, für die sie in die Schweiz reisen muss. Doch schwieriger als die Fahrt ins Nachbarland erweist sich die Notwendigkeit, all dies ihren Angehörigen zu erzählen: ihrem erwachsenen, in Schulden steckenden Sohn Bruno (David Ayala) und ihrer jugendlichen Enkelin Anna (Juliette Gasquet). Aber Marie wird noch Zeit haben, die richtigen Worte zu finden, denn die kleine Reisegruppe mit dem vor den Teilnehmern verborgenen Ziel macht sich in einem alten Wohnmobil auf den Weg – mit Rudy (Pierre Lottin) am Steuer, Maries Betreuer und Hüter ihres Geheimnisses. Eine Reise, die für Marie die letzte werden soll und die man deshalb nur umso mehr in die Länge ziehen möchte.

Für die Regisseurin und Drehbuchautorin Enya Baroux ist Bon Voyage – Bis hierher und noch weiter der erste Langspielfilm. Erstmals wurde das Werk im Rahmen des offiziellen Wettbewerbs des französischen Festivals von Alpe d’Huez gezeigt, bei dem die Schauspielerinnen Hélène Vincent und Juliette Gasquet den Preis für die beste weibliche Hauptrolle erhielten. Laut Baroux ist die im Film erzählte Geschichte vom Leben ihrer eigenen Großmutter inspiriert.

Sterbehilfe ist ein delikates und teils tabuisiertes Thema, das nicht nur ein Gespräch über den Tod selbst eröffnet, sondern auch über das Recht des Menschen, Zeit und Umstände seines Abschieds selbst zu bestimmen – sowie über jene, die die Wahl ihres Angehörigen akzeptieren müssen. Auf der Kinoleinwand wird ein solches Gespräch nicht allzu oft geführt, doch wenn, dann oft mit durchdringender Eleganz. Eine interessante Parallele: Vor einigen Jahren veröffentlichte Regisseur François Ozon zu diesem Thema den Film Alles ist gut gegangen, 2024 folgte Wenn der Herbst naht, in dem Hélène Vincent und Pierre Lottin mitspielen – die sich nun am Set von Bon Voyage – Bis hierher und noch weiter wiedertrafen.

Und doch unterscheidet sich Baroux’ Film trotz der thematischen Nähe grundlegend von der Arbeit ihres Kollegen. Marie ist noch nicht ans Bett gefesselt, auf den ersten Blick wirkt sie gesund und vital, doch die Krankheit erfüllt ihre Tage bereits mit Schmerz. Ihr Tod ist lediglich eine Frage der Zeit und der Umstände, die ihm vorausgehen. Bon Voyage – Bis hierher und noch weiter versucht weder, die Entscheidung der Protagonistin moralisch zu bewerten, noch konzentriert er sich übermäßig auf die Gefühle ihrer Familie. Es ist die Geschichte einer Frau, die einen kürzeren, aber scheinbar glücklicheren Weg zu ihrem eigenen Tod wählt – und ihr Recht auf einen würdevollen Abschied verteidigt.

Auf angenehmer Leichtigkeit und der Notwendigkeit, die Dinge schlicht anzunehmen, basiert auch die gesamte Erzählweise des Films. Die Form des Roadmovies ermöglicht es Baroux nicht nur, ihre Heldin ein letztes Mal aus den vier Wänden hinauszuführen, sondern auch, dem übermäßigen Tragismus zu entgehen, der dem behandelten Thema so oft eigen ist. Bon Voyage – Bis hierher und noch weiter ist eine Dramedy, die die offensichtlich traurige Geschichte mit Elementen feinen und unaufdringlichen Humors auflockert – ganz wie im echten Leben, in dem alltägliche Sorgen und weltliche Mühen sich mit komischen Missgeschicken und menschlicher Findigkeit abwechseln. Die Figuren des Films sind überzeichnete Abbilder von Menschen aus dem Umfeld der Regisseurin und doch von nachvollziehbarer Glaubwürdigkeit. Sie können lieben, sich kümmern, wütend werden, zweifeln und trauern – und laden ihr Publikum dazu ein, den Verlust zusammen mit ihnen zu durchleben: jenen Aspekt des menschlichen Lebens, dem früher oder später jeder begegnet. Denn letzten Endes – wenn es um den Tod geht – ist es nicht genau das, was am wichtigsten bleibt? Sich selbst und seinem Publikum in Erinnerung zu rufen, dass das Leben ein endloser Kreislauf ist und einem Ende stets ein neuer Anfang folgt.

Zeit

17:45 5:45pm(GMT+01:00)

Location

12Jan19:00Sentimental Value (OmU)

Infos

Sentimental Value

SENTIMENTAL VALUE

Regie: Joachim Trier | Darsteller: Renate Reinsve, Stellan Skarsgård, Inga Ibsdotter Lilleaas | Frankreich, Norwegen 2025 | Drama | Originalsprache: Norwegisch

Ein Film über das, was zwischen Menschen bleibt, wenn Worte fehlen: Joachim Trier verdichtet eine zerbrochene Vater-Tochter-Beziehung zu einem kraftvollen Gefühlsrausch voller Humor, Schmerz und unerwarteter Zärtlichkeit. Ein emotionales Geflecht aus Erinnerung, Versöhnung und ungelebtem Leben, still, tief und erschütternd echt – ein preisgekröntes, vibrierendes Familendrama mit Renate Reinsve und Stellan Skarsgård!

Nora (Renate Reinsve) und Agnes (Inga Ibsdotter Lilleaas) verbindet eine komplexe Beziehung zu ihrem Vater, der seine Arbeit stets über die Familie stellte. Nun steht Gustav (Stellan Skarsgård) nach Jahren der Funkstille plötzlich wieder vor der Tür – mit einem charmanten Grinsen und dem emotionalen Gepäck eines halben Lebens. Augenblicklich geraten alte Familiendynamiken ins Rollen. Und nach und nach wird deutlich, dass sich Vater und Töchter ähnlicher sind, als sie glaubten. Vielleicht ist es doch nicht zu spät für einen Neuanfang… Mit seiner losen Oslo-Trilogie (REPRISE; OSLO, 31. AUGUST; DER SCHLIMMSTE MENSCH DER WELT) hat sich Joachim Trier längst zum Dauergast auf dem großen Festivalparkett entwickelt. Nun erweitert er die Reihe mit einer Variation der Themen, die sich durch sein bisheriges Œuvre ziehen, erzählt erneut von Menschen, die sich zwischen Selbstbild und Wirklichkeit zerreiben. Und wenn es um schwierige Familienverhältnisse geht, sind für einen Regisseur aus dem europäischen Norden ab 4. Dezember weder Bergman noch Ibsen sonderlich weit. So überrascht es nicht, dass sich der gefeierte Norweger auf beide bezieht. Am deutlichsten im Namen der Hauptfigur Nora, einer Frau, die im Laufe des lose strukturierten Dramas ihr Verhältnis zum lange abwesenden Vater auf den Prüfstand stellt. Dem Auteur gelingt eine vielschichtige Erzählung über Beziehungen und Gefühle, die nur schwer in Worte gefasst werden können. Er verwandelt Familiengeschichte in ein Spiegelkabinett aus Erinnerung, Film und Schuld – sanft, von großer emotionaler Reife und herzzerreißend ehrlich. Die großartige Renate Reinsve spielt ihre Nora mit stiller Wucht, Skarsgård gibt den alternden Vater und Künstler, der die Welt inszeniert, weil er sie nicht erträgt, mit einer beeindruckenden Bandbreite. Ein leises, leichtfüßiges Meisterwerk, das davon erzählt, wie schwierig es ist, das eigene Leben klar zu betrachten – und wie viel Mut darin liegt, Schmerz offen zu begegnen, ohne ihn zu verklären.

» Bleibt noch lange nach dem Abspann im Kopf und im Herzen! « TAZ

» Ein vielschichtiges Meisterwerk! « INDIEWIRE

» Wunderbar! « TIME MAGAZINE

Großer Preis der Jury, Cannes 2025!

Norwegischer Oscar-Kandidat!

Zeit

19:00 7:00pm(GMT+01:00)

Location

12Jan20:00BLUE MONDAY - EIN HAUCH VON NEW YORK

12Jan20:00Ein einfacher Unfall (OmU)

13Jan16:00Sentimental Value

Infos

Sentimental Value

SENTIMENTAL VALUE

Regie: Joachim Trier | Darsteller: Renate Reinsve, Stellan Skarsgård, Inga Ibsdotter Lilleaas | Frankreich, Norwegen 2025 | Drama | Originalsprache: Norwegisch

Ein Film über das, was zwischen Menschen bleibt, wenn Worte fehlen: Joachim Trier verdichtet eine zerbrochene Vater-Tochter-Beziehung zu einem kraftvollen Gefühlsrausch voller Humor, Schmerz und unerwarteter Zärtlichkeit. Ein emotionales Geflecht aus Erinnerung, Versöhnung und ungelebtem Leben, still, tief und erschütternd echt – ein preisgekröntes, vibrierendes Familendrama mit Renate Reinsve und Stellan Skarsgård!

Nora (Renate Reinsve) und Agnes (Inga Ibsdotter Lilleaas) verbindet eine komplexe Beziehung zu ihrem Vater, der seine Arbeit stets über die Familie stellte. Nun steht Gustav (Stellan Skarsgård) nach Jahren der Funkstille plötzlich wieder vor der Tür – mit einem charmanten Grinsen und dem emotionalen Gepäck eines halben Lebens. Augenblicklich geraten alte Familiendynamiken ins Rollen. Und nach und nach wird deutlich, dass sich Vater und Töchter ähnlicher sind, als sie glaubten. Vielleicht ist es doch nicht zu spät für einen Neuanfang… Mit seiner losen Oslo-Trilogie (REPRISE; OSLO, 31. AUGUST; DER SCHLIMMSTE MENSCH DER WELT) hat sich Joachim Trier längst zum Dauergast auf dem großen Festivalparkett entwickelt. Nun erweitert er die Reihe mit einer Variation der Themen, die sich durch sein bisheriges Œuvre ziehen, erzählt erneut von Menschen, die sich zwischen Selbstbild und Wirklichkeit zerreiben. Und wenn es um schwierige Familienverhältnisse geht, sind für einen Regisseur aus dem europäischen Norden ab 4. Dezember weder Bergman noch Ibsen sonderlich weit. So überrascht es nicht, dass sich der gefeierte Norweger auf beide bezieht. Am deutlichsten im Namen der Hauptfigur Nora, einer Frau, die im Laufe des lose strukturierten Dramas ihr Verhältnis zum lange abwesenden Vater auf den Prüfstand stellt. Dem Auteur gelingt eine vielschichtige Erzählung über Beziehungen und Gefühle, die nur schwer in Worte gefasst werden können. Er verwandelt Familiengeschichte in ein Spiegelkabinett aus Erinnerung, Film und Schuld – sanft, von großer emotionaler Reife und herzzerreißend ehrlich. Die großartige Renate Reinsve spielt ihre Nora mit stiller Wucht, Skarsgård gibt den alternden Vater und Künstler, der die Welt inszeniert, weil er sie nicht erträgt, mit einer beeindruckenden Bandbreite. Ein leises, leichtfüßiges Meisterwerk, das davon erzählt, wie schwierig es ist, das eigene Leben klar zu betrachten – und wie viel Mut darin liegt, Schmerz offen zu begegnen, ohne ihn zu verklären.

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Großer Preis der Jury, Cannes 2025!

Norwegischer Oscar-Kandidat!

Zeit

16:00 4:00pm(GMT+01:00)

Location

13Jan17:45Ein einfacher Unfall

13Jan19:00Der 13. wundervolle Überraschungsfilm (OmU)

13Jan20:00Bon Voyage (OmU)

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Bon Voyage – Bis hierher und noch weiter (2025) | Film, Trailer, Kritik

LOSLASSEN LERNEN

Leider kann der Mensch nicht aus jeder Schlacht als Sieger hervorgehen. Vor acht Jahren gelang es der achtzigjährigen Marie (Hélène Vincent), den Krebs zu besiegen, doch nun ist die Krankheit zurückgekehrt – diesmal ohne Raum für Hoffnung auf Genesung. Jeder Tag der Frau ist nun ein Kampf, der mit jedem neuen Morgen schwerer und schwerer zu werden verspricht. Marie will ein solches Lebensszenario nicht akzeptieren. Sie beschließt, ihr Leben würdevoll und zu ihren eigenen Bedingungen zu beenden – mittels Sterbehilfe, für die sie in die Schweiz reisen muss. Doch schwieriger als die Fahrt ins Nachbarland erweist sich die Notwendigkeit, all dies ihren Angehörigen zu erzählen: ihrem erwachsenen, in Schulden steckenden Sohn Bruno (David Ayala) und ihrer jugendlichen Enkelin Anna (Juliette Gasquet). Aber Marie wird noch Zeit haben, die richtigen Worte zu finden, denn die kleine Reisegruppe mit dem vor den Teilnehmern verborgenen Ziel macht sich in einem alten Wohnmobil auf den Weg – mit Rudy (Pierre Lottin) am Steuer, Maries Betreuer und Hüter ihres Geheimnisses. Eine Reise, die für Marie die letzte werden soll und die man deshalb nur umso mehr in die Länge ziehen möchte.

Für die Regisseurin und Drehbuchautorin Enya Baroux ist Bon Voyage – Bis hierher und noch weiter der erste Langspielfilm. Erstmals wurde das Werk im Rahmen des offiziellen Wettbewerbs des französischen Festivals von Alpe d’Huez gezeigt, bei dem die Schauspielerinnen Hélène Vincent und Juliette Gasquet den Preis für die beste weibliche Hauptrolle erhielten. Laut Baroux ist die im Film erzählte Geschichte vom Leben ihrer eigenen Großmutter inspiriert.

Sterbehilfe ist ein delikates und teils tabuisiertes Thema, das nicht nur ein Gespräch über den Tod selbst eröffnet, sondern auch über das Recht des Menschen, Zeit und Umstände seines Abschieds selbst zu bestimmen – sowie über jene, die die Wahl ihres Angehörigen akzeptieren müssen. Auf der Kinoleinwand wird ein solches Gespräch nicht allzu oft geführt, doch wenn, dann oft mit durchdringender Eleganz. Eine interessante Parallele: Vor einigen Jahren veröffentlichte Regisseur François Ozon zu diesem Thema den Film Alles ist gut gegangen, 2024 folgte Wenn der Herbst naht, in dem Hélène Vincent und Pierre Lottin mitspielen – die sich nun am Set von Bon Voyage – Bis hierher und noch weiter wiedertrafen.

Und doch unterscheidet sich Baroux’ Film trotz der thematischen Nähe grundlegend von der Arbeit ihres Kollegen. Marie ist noch nicht ans Bett gefesselt, auf den ersten Blick wirkt sie gesund und vital, doch die Krankheit erfüllt ihre Tage bereits mit Schmerz. Ihr Tod ist lediglich eine Frage der Zeit und der Umstände, die ihm vorausgehen. Bon Voyage – Bis hierher und noch weiter versucht weder, die Entscheidung der Protagonistin moralisch zu bewerten, noch konzentriert er sich übermäßig auf die Gefühle ihrer Familie. Es ist die Geschichte einer Frau, die einen kürzeren, aber scheinbar glücklicheren Weg zu ihrem eigenen Tod wählt – und ihr Recht auf einen würdevollen Abschied verteidigt.

Auf angenehmer Leichtigkeit und der Notwendigkeit, die Dinge schlicht anzunehmen, basiert auch die gesamte Erzählweise des Films. Die Form des Roadmovies ermöglicht es Baroux nicht nur, ihre Heldin ein letztes Mal aus den vier Wänden hinauszuführen, sondern auch, dem übermäßigen Tragismus zu entgehen, der dem behandelten Thema so oft eigen ist. Bon Voyage – Bis hierher und noch weiter ist eine Dramedy, die die offensichtlich traurige Geschichte mit Elementen feinen und unaufdringlichen Humors auflockert – ganz wie im echten Leben, in dem alltägliche Sorgen und weltliche Mühen sich mit komischen Missgeschicken und menschlicher Findigkeit abwechseln. Die Figuren des Films sind überzeichnete Abbilder von Menschen aus dem Umfeld der Regisseurin und doch von nachvollziehbarer Glaubwürdigkeit. Sie können lieben, sich kümmern, wütend werden, zweifeln und trauern – und laden ihr Publikum dazu ein, den Verlust zusammen mit ihnen zu durchleben: jenen Aspekt des menschlichen Lebens, dem früher oder später jeder begegnet. Denn letzten Endes – wenn es um den Tod geht – ist es nicht genau das, was am wichtigsten bleibt? Sich selbst und seinem Publikum in Erinnerung zu rufen, dass das Leben ein endloser Kreislauf ist und einem Ende stets ein neuer Anfang folgt.

Zeit

20:00 8:00pm(GMT+01:00)

Location

13Jan20:16Katerina Poladjan: »Goldstrand« Lesung & Gespräch im Rahmen der LiteraTOUR Nord | Moderation: Dr. Stephan Lesker (Universität Rostock)

Infos

Buchpremiere: Katerina Poladjan - Literarisches Colloquium Berlin : Literarisches Colloquium Berlin

An der bulgarischen Schwarzmeerküste entsteht in den 1950er Jahren ein Ferienort: Goldstrand, geplant als Platz an der Sonne für alle. Auf der Baustelle wird Eli gezeugt. Sechzig Jahre später hat er seine größten Erfolge als Filmregisseur längst gefeiert und liegt auf der Couch seiner Dottoressa in Rom. Er mutmaßt und fabuliert seine Familiengeschichte, die durch ein ganzes Jahrhundert und quer über den europäischen Kontinent führt, von Odessa über Konstantinopel und Warna in Bulgarien bis nach Rom.

Katerina Poladjan wurde in Moskau geboren, wuchs in Rom und Wien auf und lebt in Deutschland. Sie schreibt Theatertexte und Essays, auf ihr Prosadebüt »In einer Nacht, woanders« folgte »Vielleicht Marseille« und gemeinsam mit Henning Fritsch schrieb sie den literarischen Reisebericht »Hinter Sibirien«. Sie war für den Alfred-Döblin-Preis nominiert wie auch für den European Prize of Literature und nahm 2015 bei den Tagen der deutschsprachigen Literatur in Klagenfurt teil. Für »Hier sind Löwen« erhielt sie Stipendien des Deutschen Literaturfonds, des Berliner Senats und von der Kulturakademie Tarabya in Istanbul. 2021 wurde sie mit dem Nelly-Sachs-Preis der Stadt Dortmund ausgezeichnet. Mit »Zukunftsmusik« stand Katerina Poladjan auf der Shortlist für den Preis der Leipziger Buchmesse 2022 und wurde mit dem Rheingau Literatur Preis 2022 ausgezeichnet. Katerina Poladjan wurde 2025 mit dem »Großen Preis des Deutschen Literaturfonds« geehrt.

Karten: 12 €/10 € erm.* (Vorverkauf in der anderen Buchhandlung)

*Ermäßigung für Mitglieder des Literaturhaus Rostock e.V.

WarnowPass-Inhaber:innen und Schüler:innen an der Abendkasse: 5 € (Anmeldung: reservierung@literaturhaus-rostock.de)

Studierende der Universität Rostock & der HMT Rostock erhalten freien Eintritt. Rechtzeitige Anmeldung unter: reservierung@literaturhaus-rostock.de

Ort: andere buchhandlung, Wismarsche Str. 6/7, 18057 Rostock

In Kooperation mit der anderen buchhandlung und der Universität Rostock.

Das Literaturhaus Rostock wird gefördert durch die Hanse- und Universitätsstadt Rostock und das Ministerium für Wissenschaft, Kultur und Bundes- und Europaangelegenheiten.

Zeit

20:16 8:16pm(GMT+01:00)

Location

andere Buchhandlung

Wismarsche Str. 6, 18057 Rostock

Organizer

Literaturhaus Rostock

Doberaner Str. 21, 18057 Rostock

14Jan10:00Bookcrossing in Rostock Eine literarische Schnitzeljagd durch die Hansestadt

15Jan16:00Kuratorinnenführung: Hans Ticha

15Jan20:00Violinabend

16Jan16:00Ernst Pradel: »Dort im Osten, dort irgendwo« Lesung & Gespräch | Moderation: Ulrika Rinke (Literaturhaus Rostock)

16Jan17:00Next Generation

16Jan19:30Stolz und Vorurteil* (*oder so)

Infos

STOLZ UND VORURTEIL* (*ODER SO)

Komödie von Isobel McArthur / Nach Jane Austen

Deutsch von Silke Pfeiffer

Es ist kompliziert. Mrs. Bennet hat fünf Töchter, die sie dringend an den Mann bringen muss. Wie es das patriarchale Erbrecht vorsieht, muss sich zumindest eine der Töchter einen standesgemäßen Junggesellen angeln, um das Erbe der Familie zu sichern. Als der außergewöhnlich liebenswürdige und zudem außerordentlich vermögende Charles Bingley in die Nachbarschaft zieht, scheint das Glück zum Greifen nah. Auf dem Stadtball heißt es dann: Unterhalten! Tanzen! Singen! Während es zwischen Jane und Bingley zu funken beginnt, gerät die stolze Elizabeth mit dem schnöseligen Mr. Darcy aneinander. Auf dem Weg zum Happy End sind natürlich noch zahlreiche Missverständnisse auszuräumen, verletzte Eitelkeiten zu verarzten und emotionale Verwicklungen zu entwirren.
In Isobel McArthurs gefeierter Neufassung von Jane Austens Romanklassiker Stolz und Vorurteil ergreifen fünf Dienstmädchen endlich das Wort und erzählen modern, temporeich und witzig eine Geschichte über ökonomische Abhängigkeiten und weibliche Selbstbestimmung. Hier trifft Jane Austen auf Popkultur, und wenn die Gefühle überhandnehmen, wird zum Mikrofon gegriffen und gesungen.

Mit der Komödie ‚Stolz und Vorurteil* (*oder so)‘ landete das Volkstheater zur Eröffnung der Schauspielsaison einen Volltreffer. Getroffen hat da ein wahrhaft wild aufspielendes Quintett entfesselter Komödiantinnen in 18 Rollen nicht nur die Lachmuskeln des amüsierwilligen Publikums, sondern auch einen Nerv.
(Dietrich Pätzold, Ostsee-Zeitung)

Aufführungsdauer: ca. 2 Stunden und 35 Minuten, eine Pause

Zeit

19:30 7:30pm(GMT+01:00)

Location

Großes Haus

Doberaner Str. 135, 18057 Rostock

Organizer

Volkstheater Rostock

Patriotischer Weg 33 18057 Rostock

16Jan19:30RISSE-Lesung: Heft 55 »WAHNSINN« und Sonderheft 12 »Wolfgang Gabler« Präsentation des 55. Heftes der RISSE zum Thema »WAHNSINN« und des Sonderheftes 12 »Wolfgang Gabler«

16Jan20:00DAS ABSCHIEDSDINNER

16Jan20:00Violoncelloabend

17Jan17:00Violoncellokonzert am Nachmittag

17Jan20:00ZWEI MÄNNER GANZ NACKT

17Jan20:00Klavierabend

17Jan20:00WIE ANGELT MAN SICH EINEN FEMINISTEN? (HOW TO DATE A FEMINIST)

18Jan17:00Fagottkonzert am Nachmittag

18Jan18:00WIE ANGELT MAN SICH EINEN FEMINISTEN? (HOW TO DATE A FEMINIST)

18Jan18:2514:252. KAMMERKONZERT / KALEIDOSKOP

18Jan20:00DINNER FOR ONE – WIE ALLES BEGANN

19Jan16:00Sorda – Der Klang der Welt

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Sorda - Der Klang der Welt

SORDA – DER KLANG DER WELT

Regie: Eva Libertad | Darsteller: Míriam Garlo, Álvaro Cervantes, Elena Irureta, Joaquín Notario | Spanien 2025 | Drama | Originalsprache: Spanisch

Ángela, eine gehörlose Frau, und ihr hörender Partner freuen sich auf ihr Kind – doch Ángela beginnt sich zu fürchten vor dieser Aufgabe, ihre Tochter großzuziehen in einer Welt, die nicht für sie gemacht ist. Kraftvolles Drama.

Ángela (Miriam Garlo) ist gehörlos, Héctor (Álvaro Cervantes) hörend, ein junges Paar, fröhlich und verliebt, umso mehr, als sie ihr erstes Kind erwarten. Ona soll es heißen, ein Mädchen. Doch je näher der Tag der Geburt rückt, desto unruhiger wird Ángela. Wie soll sie sich um Ona kümmern? Wird Ona hören wie Héctor oder sein wie sie? Ihre kleine, beschützte Welt, die sich Ángela und Héctor geschaffen haben, bekommt Risse. Sie müssen es noch einmal versuchen. In der Welt, wie sie ist und wie sie sein könnte… Aufmerksam und ungeschönt, zärtlich und immer auf Augenhöhe mit seinen Protagonisten erzählt Autorin und Regisseurin Eva Libertad von der ungeahnten Herausforderung, als gehörlose Frau ein Kind in einer Welt voller Barrieren zu bekommen, von Begegnungen und Missverständnissen, Respekt und Verschiedenheit, von Liebe und Zerreißproben. Das einfühlsame Drama berührt leise, aber eindringlich – ein Film über das Hören, das Verstehen und die leisen Spannungen zwischen Nähe und Anderssein.

Publikumspreis im Panorama der Berlinale 2025 & Bester Film, Filmfestival Seattle!

Schauspielpreise für Garlo & Cervantes, Filmfestival Málaga!

Die deutsche Version und die OmU-Fassung werden mit erweiterten deutschen Untertiteln gezeigt, die Hinweise auf Geräusche und Musik enthalten!

Zeit

16:00 4:00pm(GMT+01:00)

Location

19Jan16:00Silent Friend

Infos

Silent Friend (2025) - IMDb

EIN RÜCKZUGSRAUM

Ein Ginkgo-Baum in Marburg, gepflanzt im Botanischen Garten der Universität, kaum älter als sechs Jahrzehnte. In Ildikó Enyedis neuem Film „Silent Friend“ wird er zu einem uralten Wesen, zu einem Zeugen von Jahrhunderten, zu einem Freund. Das mag pathetisch klingen, doch was Enyedi hier gelingt, ist weniger eine symbolhafte Überhöhung als vielmehr eine stille Einladung, unsere eigene Perspektive zu verschieben.

Der Film entfaltet sich in drei Episoden, die lose miteinander verbunden sind und dennoch eine erstaunliche innere Kohärenz besitzen. 1908 entdeckt die erste Studentin der Marburger Universität, gespielt von Luna Wedler, durch die Linse ihrer Kamera eine Ordnung im Kleinen, im Blatt, im Pflanzengewebe. In einer Zeit, in der Frauen im Hörsaal noch eine Sensation sind, wird ihr Blick auf die Pflanzenwelt zugleich zu einem Akt der Emanzipation. 1972 folgt die Geschichte eines jungen Studenten, der über eine einfache Geranie zu einer fast existenziellen Erfahrung findet. Es ist eine Episode voller Sanftheit, getragen vom Gefühl der 70er-Jahre: Aufbruch, Experiment, ein vorsichtiger Widerstand gegen Konventionen.

2020 schließlich, mitten in der Corona-Pandemie, begegnen wir einem Neurowissenschaftler aus Hongkong (Tony Leung). Er erforscht die Hirnaktivitäten von Babys und richtet plötzlich seine wissenschaftliche Neugier auf den Baum. Im selben Zeitraum tritt auch Dr. Alice Sauvage (Léa Seydoux) auf, eine weltbekannte Botanikerin, die gemeinsam mit dem brillanten Neurobiologen versucht, die geheimnisvollen Verbindungen zwischen Mensch und Pflanze zu erforschen, insbesondere zu jenem Ginkgo, der das Zentrum der Geschichte bildet.

Was als rationales Experiment beginnt, öffnet sich zu etwas Rätselhafterem: eine leise, intime Begegnung mit einem Lebewesen, das nicht spricht, nicht antwortet, aber da ist. Enyedi erzählt diese Geschichten mit größter Ruhe, mit einem Gespür für das Unspektakuläre, das sich allmählich in etwas Großes verwandelt. Die Kamera verweilt auf Details: das Zittern eines Blattes im Wind, die feinen Linien einer Pflanzenstruktur, das changierende Licht zwischen den Jahreszeiten. Es ist ein Kino der Wahrnehmung, das den Zuschauer nicht mit Handlung überfällt, sondern ihn einlädt, langsamer zu werden, genauer hinzusehen.

Manche Szenen wirken wie aus einer Naturdokumentation, andere erinnern an testhafte 4K-Bilder, die technische Perfektion mit hypnotischer Ruhe verbinden. Doch in dieser Spannung liegt die Kraft: Das Alltägliche wird ungewöhnlich, das scheinbar Nebensächliche rückt in den Mittelpunkt. Ein zentrales Motiv des Films ist die Wissenschaft, allerdings nicht in ihrer nüchternen, messenden Form, sondern als Neugier, als kindliche Lust am Entdecken. Der Film feiert die Forschung als eine Art Poesie, die nicht alle Antworten kennt, aber Fragen stellt. Dass eine Pflanze uns letztlich fremd bleibt, dass wir nie wissen werden, „wie es ist, ein Baum zu sein“, wird nicht als Scheitern verstanden, sondern als Chance. Wir erkennen uns in unserer Begrenztheit, und genau darin liegt Würde.

Die Starbesetzung mit Tony Leung und Léa Seydoux sorgt für internationale Aufmerksamkeit. Leung, der sonst oft in stillen, melancholischen Rollen brilliert, bringt hier eine fast ungewohnte Verletzlichkeit ein: ein Forscher, der den eigenen Halt verliert, während er versucht, den Baum zu „verstehen“. Seydoux spielt zurückgenommen, beinahe spröde, auch das ein kluger Kontrapunkt zu ihrer sonstigen Leinwandpräsenz. Und doch: Die eigentliche Hauptrolle gehört dem Ginkgo. Die Schauspieler, so bekannt sie sein mögen, treten zurück, lassen den Raum offen für die eigentliche Begegnung zwischen Mensch und Natur. Auch die deutschen Darsteller können durch die Bank weg mit dem internationalen Staraufgebot mithalten.

Mit zweieinhalb Stunden Laufzeit ist Silent Friend kein leichtes Kino. Manche Episoden enden abrupt, zwei der drei Geschichten bleiben ohne klare Auflösung. Aber auch das entspricht der Haltung: Das Leben kennt selten perfekte Schlüsse. Am Ende bleibt das Gefühl, ein Stück Weg mit diesen Figuren gegangen zu sein. Für manche mag das ermüdend sein, für andere ist es vielleicht eines der poetischsten Werke des Jahres: Eine Einladung zum Innehalten in einer Welt, die sich immer schneller dreht. Enyedi hat keinen politischen Film gedreht, sondern einen Rückzugsraum geschaffen, in dem Fragen nach Zugehörigkeit, Vergänglichkeit und Verbundenheit leise gestellt werden. Dass dies gerade jetzt, in Zeiten der Unsicherheit, eine besondere Wirkung entfaltet, ist kein Zufall.

Am Ende steht dieser Baum. Verwurzelt in Marburg, größer gemacht durch Spezialeffekte, aber immer doch er selbst. Er überdauert Generationen, Ideen, Ideologien. Während die Figuren kommen und gehen, forschen, lieben, scheitern, wächst er einfach weiter. Silent Friend ist damit mehr als nur ein Film über Natur: Es ist ein Film über unser Menschsein, über unsere Fragilität und unsere Sehnsucht, irgendwo dazuzugehören.

Zeit

16:00 4:00pm(GMT+01:00)

Location

19Jan17:00Im Schatten des Orangenbaums (OmU)

Infos

Im Schatten des Orangenbaums (2025) | Film, Trailer, Kritik

ERZÄHLEN, WAS GESCHAH

In ihrem tragikomischen Langfilmdebüt „Willkommen in Amerika“ (2009) erzählte die 1976 geborene Drehbuchautorin und Regisseurin Cherien Dabisvon einer alleinerziehenden palästinensischen Mutter, die voller Hoffnung mit ihrem adoleszenten Sohn nach Illinois immigriert. Die wunderbar feinfühlige Indie-Perle fand damals in den USA deutlich mehr Beachtung als in Deutschland, wo sie lediglich auf einigen wenigen Festivals präsentiert wurde.

Nach einem weiteren Film (May in the Summer aus dem Jahr 2013), in dem sie selbst die Hauptrolle übernahm, und zahlreichen TV-Arbeiten liefert Dabis nun mit Im Schatten des Orangenbaums ein auf historischen Ereignissen und persönlichen Erfahrungen basierendes Familiendrama, das drei Generationen umspannt. Das Werk beginnt im besetzten Westjordanland im Jahr 1988. Bei einer Demonstration gegen die israelische Besatzung zieht sich der jugendliche Noor (Muhammad Abed Elrahman) schwere Verletzungen zu. Seine Mutter Hanan (verkörpert von Dabis selbst) schildert daraufhin die Geschichte ihrer Familie.

Sie werde erzählen, wer ihr Sohn sei, sagt Hanan. Es wirkt, als richte die Figur ihren Blick dabei direkt in die Kamera. Wir werden quasi persönlich adressiert, wodurch der Film klarmacht, dass dies keine Erzählung ist, die sich nebenbei, ohne große Aufmerksamkeit verfolgen lässt. Vielmehr ist es der Einstieg in ein Epos, das auf die Erlebnisse von Noors Großvater Sharif (Adam Bakri) in Jaffa im Jahr 1948 zurückschaut und sich dann durch die Dekaden bis zum Anfangspunkt des Films bewegt und schließlich im Jahr 2022 landet.

Wir lernen Sharifs Frau Munira (Maria Zreik) und die vier gemeinsamen Kinder kennen – darunter Hanans zukünftiger Ehemann und Noors Vater Salim (in jung: Salah Al Din; später: Saleh Bakri). In einer zunächst harmonisch anmutenden Sequenz sitzt die Familie am Esstisch und redet über Poesie, als plötzlich durch einen Bombenangriff die schreckliche Realität des Krieges in den Alltag einschlägt. Sharif will Jaffa nicht verlassen; er möchte das Haus und den familiären Orangenhain nicht zurücklassen. Bald wird er jedoch verhaftet.

An anderer Stelle hält Dabis fest, wie der kleine Noor (Sanad Alkabareti) in den 1970er Jahren mitansehen muss, wie sein Vater auf dem Nachhauseweg von einem israelischen Soldaten gedemütigt wird – was entscheidend dazu beiträgt, dass er sich als Teenager radikalisiert. Der Film veranschaulicht, was generationsübergreifende Traumata anrichten können, wehrt sich aber gegen eine durchweg pessimistische Sicht und ist nicht daran interessiert, Hass zu schüren. „Menschlichkeit ist eine Form des Widerstands“, heißt es in einer Szene. Durch die komplex gezeichneten Figuren, die voller Angst sind und dennoch die Hoffnung nicht aufgeben wollen, wird Im Schatten des Orangenbaums zu einem mitreißenden Film.

Zeit

17:00 5:00pm(GMT+01:00)

Location

19Jan19:00Sorda – Der Klang der Welt (OmU)

19Jan18:00Trompetenabend

Infos

Sorda - Der Klang der Welt

SORDA – DER KLANG DER WELT

Regie: Eva Libertad | Darsteller: Míriam Garlo, Álvaro Cervantes, Elena Irureta, Joaquín Notario | Spanien 2025 | Drama | Originalsprache: Spanisch

Ángela, eine gehörlose Frau, und ihr hörender Partner freuen sich auf ihr Kind – doch Ángela beginnt sich zu fürchten vor dieser Aufgabe, ihre Tochter großzuziehen in einer Welt, die nicht für sie gemacht ist. Kraftvolles Drama.

Ángela (Miriam Garlo) ist gehörlos, Héctor (Álvaro Cervantes) hörend, ein junges Paar, fröhlich und verliebt, umso mehr, als sie ihr erstes Kind erwarten. Ona soll es heißen, ein Mädchen. Doch je näher der Tag der Geburt rückt, desto unruhiger wird Ángela. Wie soll sie sich um Ona kümmern? Wird Ona hören wie Héctor oder sein wie sie? Ihre kleine, beschützte Welt, die sich Ángela und Héctor geschaffen haben, bekommt Risse. Sie müssen es noch einmal versuchen. In der Welt, wie sie ist und wie sie sein könnte… Aufmerksam und ungeschönt, zärtlich und immer auf Augenhöhe mit seinen Protagonisten erzählt Autorin und Regisseurin Eva Libertad von der ungeahnten Herausforderung, als gehörlose Frau ein Kind in einer Welt voller Barrieren zu bekommen, von Begegnungen und Missverständnissen, Respekt und Verschiedenheit, von Liebe und Zerreißproben. Das einfühlsame Drama berührt leise, aber eindringlich – ein Film über das Hören, das Verstehen und die leisen Spannungen zwischen Nähe und Anderssein.

Publikumspreis im Panorama der Berlinale 2025 & Bester Film, Filmfestival Seattle!

Schauspielpreise für Garlo & Cervantes, Filmfestival Málaga!

Die deutsche Version und die OmU-Fassung werden mit erweiterten deutschen Untertiteln gezeigt, die Hinweise auf Geräusche und Musik enthalten!

Zeit

19:00 7:00pm(GMT+01:00)

Location